作为艺术爱好者，你认为油画艺术的基本特色是什么？
特色是事物与事之间的本质区别。
油画的基本特色是什么呢？要弄清这个问题，就先弄清三个问题：一是油画的归属？二是弄清其特色意义所在？三是和谁比较？
先说归属。油画属于西画，与国画相对，是东西方文明和艺术的典型代表。
次说意义。把油画和中国画两相比较，寻求异同，总结特色，有利于中西互鉴，共同发展和进步，这是最大的价值和意义所在！
那么，相对于中国画，油画有哪些基本特色呢？我认为至有几点：
1.油画重写实，与国画重写意相对。
2.油画取景定点透视，与国画散点透视相对。
3.油画重视光影表现，而国画重视固有色。当然现代国画也渐渐地吸取一些光影表现手法。
同样是油画，同样都很美，但是喜欢人物油画的人多喜欢风景油画的人少，是这样吗？为什么？
在我接触的喜欢油画的人中，大都偏爱于人像(人体)油画，而对风景油画却是另眼看待。他们认为，风景油画除了色彩饱满外，似乎还不如我们的国画意境深远场面雄阔经久耐看。由此类推，感觉更多的人是喜欢人物油画的。
为什么会出现这种现象呢？我想主要可能有这么三个原因：
其一，油画之有别于其它绘画画种并且能够成为世界绘画主要画种，其最大的特点在于油画材料所具有的造型功能，这应该也是油画所具有的最大优势。而这种特点、功能和优势在人物油画中得到了最大的展示和发挥。特别是写实人物油画把油画的造型功能运用发挥到淋漓尽致。而相对于风景油画来讲，虽然在造型上也比较逼真，但面对自然形态，油画的造型显然受到了局限，单靠造型和色彩似乎画难达意，容易给人一种形实而意短不够舒广开阔的感觉。
其二，油画产生于十五世纪，适逢欧洲文艺复兴时期。从一开始，以表现人物为主题的古典写实主义就成为油画创作的主流。即便到了十九世纪二十世纪印象主义和抽象主义相继产生并一度风靡西方画坛，但写实油画从来没有消沉，而且在二十世纪六七十年代又出现了超写实油画。这种油画发展历史形成的格局使油画始终处于以人物油画创作为主的状态。油画作品中的人物油画占据绝对优势，传世的经典油画几乎清一色是人物油画。
其三，欣赏油画的主体是人，欣赏的油画是人物油画，本身就有一种天然的亲近感，时髦的讲就是接地气。而人物油画更以其造型逼真，色彩饱满，情感丰富，千姿百态，美仑美奂给人带来心灵的共鸣智慧的启迪和美的享受，怎么能不受到更多人的喜欢呢？
你觉得是喜欢国画的人多，还是喜欢油画的人多？为什么？
拿中国画与油画两相比较，中国画比油画更让人看不懂，所以，我的观点就是喜欢油画的人更多一些。
为什么这么说呢？下面我们首先来分析一下中国画的诞生背景。
中国画的诞生，成型一直就很高端，主要是在文人士大夫之间交流学习的一种艺术形式，甚至皇帝也参与这一活动，比如宋徽宗。
由此可见，中国画自古以来就是上层社会的消费品，好像多半与平民老百姓无关。
再加上近代以来，中国画传统的淡化，造成的这种文化的割裂，直接导致了艺术品与民众之间存在了巨大的鸿沟：民众多数是不懂得什么是好的国画作品。
而油画则不同，自诞生之初，就是为了教化、或者引导民众的艺术形式，比如中世纪和文艺复兴时期的宗教画。
西方的油画，创作的基本条件就是要让老百姓看得懂，教皇要教化信徒，新兴的资产阶级要借油画作品宣扬人性的解放。
所以，如果百姓看不懂，那他们画来做什么？
正因为西方油画中这一天然的属性，所以，西方的油画很快从西方传到了东方，中国接触西方油画的历史也长达四百多年。
从这个角度来看，就导致了中国画主要在中国传播，西方人看不懂的多；而油画却具有了天然的国际化基因，在全球范围内都有着广泛的市场。
当代中国，油画家的作品也成了拍卖市场的宠儿，而国画中的作品，偶尔有拍卖出千万上亿的，得到的却是一片喝倒彩的声音，这说明了什么？
说明了我们传统文化的缺失和断层：不是艺术家的作品不值那个钱，就是老百姓看不懂。
不懂油画的人，如何欣赏油画？
严格地说，不懂油画是无法谈及欣赏油画的。欣赏的意思是，享受美好的事物，领略其中的情趣。也包括认为好或喜欢的事物。如果不懂油画，又不了解一些基本常识，那就无法谈及欣赏了！
正确的方法是，欣赏之前要有了解。了解是欣赏的预备，欣赏是了解的成熟。这是我国著名美学大师，朱光潜先生在《谈美》一书中说的。
他还说，了解和欣赏是互相补充的。未了解，决不足以言欣赏。所以，不懂油画的人，要先了解油画，学习一点关于油画的基本知识。
比如，大致要清楚，油画是一个引进画种，属于西画。中西方的文化不同，直接导致绘画的根本表现不同，自然，欣赏油画的方式就不同。
简单说，中国画强调主观感受，和意境、意象的表现，而油画则倾向客观写实，和真实再现等。
举例说，中国画和油画，同样表现一棵树，除了画材、工具不一样外，这棵树的造型表现，也是不一样的。中国画的传统，是用墨线、墨韵，来表现树的姿态；油画传统则用色彩、色块，来再现树的体态。
还有，需要知道的是，油画题材大致分类:人体油画、肖像油画、静物油画、风景油画等等。分类不同，欣赏时的着眼点就不同。
通过多看，多了解，多琢磨的功夫，唤起我们对油画的喜爱，之后才能进一步谈到欣赏。
欣赏是一种专注的态度，专注于画面的美感。欣赏是一种玩味的态度，玩味其中的情趣。一般来讲，欣赏一幅油画时，从这几个方面着眼:
1，整体画面看构图。专业人士叫画面结构。非专业的，或者是不懂油画的人，就是看整个画面的布局。即画面主题、画面主体是什么？是怎么安排布置的？
比如，主题是人物画，画面主体是女人体。观赏时，我们首先观察这个女人体，在画面的位置和体态动作，形成画面构图是怎样的？表达的意味是什么？整体感受如何？也就是专业人士所说的画面大关系如何？这往往是吸引我们欣赏的第一步。
2，具体形象看造型。油画造型注重写实。画家是通过透视和空间关系来塑造立体形象的。画家通过运用虚实对比、大小对比、远近关系对比等手法，来表现画面的立体感、空间感。非专业的人，欣赏时，可通过画面的整体空间、环境表现，来玩味这些处理手法，理解作品的表现效果。从中得到欣赏的乐趣。
3，画面效果看色彩。欣赏油画作品时，色彩是很重的一个方面。甚至可以说，色彩是油画的命脉。也是油画与中国画的根本不同。
前面我们提到过，中国画的特点是主观感受，而油画主张客观写实。因此，油画的色彩，就是表现光。没有光就没有色。
因此，通过对油画作品中，光及光源的分析感受，如，是夜光、日光？还是晨光、霞光？这都能加深我们对作品的深入理解。进而实现享受其中的奥妙。
色彩是唤起情绪与画面共鸣的主要手段。尤其是在风景油画作品中。往往是色彩的光与影，让我们陶醉其中。
总而言之，不懂油画的人，要先了解一些油画的基本知识，再从画面构图、造型、色彩等，三个基本方面着眼去欣赏。
意大利女画家真蒂莱斯基有哪些让人印象深刻的油画作品？
让人不寒而栗的憎恨与愤怒——用画笔来宣泄对男人恨意的真蒂莱斯基
阿特米西亚·真蒂莱斯基是西方文艺复兴时期著名的意大利女画家，也可以说是第一个名留青史的女画家。她强而有力的画面表现力让她成为了与卡拉瓦乔等艺术家齐名的巴洛克风格中最杰出的画家之一，并享有“女版卡拉瓦乔”的美誉。
——真蒂莱斯基作品《发现摩西》
她与米开朗基罗的曾侄还有天文学家伽利略成为密友，并获得来自美第奇家族、西班牙皇室和英格兰皇室的创作委托，并以其多变画风获得“变色龙”的称号。
——真蒂莱斯基作品《狂喜中的抹大拉的玛丽亚》
为何如此大名鼎鼎的艺术家，好像并不为大众所熟知？
这是因为女性在那个时代并没有什么话语权，也是历史长期以来被忽视的群体，更别说在艺术领域了。另一方面，作为艺术家，尤其是女艺术家，虽然她的绘画作品艺术水准很高，但大多被私人收藏而隐没于世。直到上个世纪70年代开展的女性主义艺术运动，真蒂莱斯基的作品才开始被人们重视并进行了深入的艺术研究。
——真蒂莱斯基作品《罗德和他的女儿们》
女画家真蒂莱斯基偏爱描绘《圣经》以及神话故事中的烈女，也可以说是一种迷恋。她的作品反复出现朱迪斯、苏珊娜等圣经中女英雄的题材，采用的表现手法也与传统的表现形式截然不同，她笔下的女性人物充满了英雄气概并展现出强烈的反叛意识，隐喻着对男性特权的反抗和批判。
——真蒂莱斯基作品《圣母像》
真蒂莱斯基之所以有这样的创作思路，是源于她早年经历的一次惨痛的人生劫难。
真蒂莱斯基出生于一个艺术家庭，他的父亲奥拉齐奥是一位画家，也是卡拉瓦乔忠实的追随者。少女时期的真蒂莱斯基被其父亲的朋友，也是她的私人教师阿戈斯蒂诺·塔西在画室侮辱了。在那个时代，少女的贞洁比生命都要重要，悲痛欲绝的真蒂莱斯基将那个男人告上了法庭，然而法庭却迟迟不肯判决，一拖就是八个月。在真蒂莱斯基多次追问审判进程后，法庭竟然荒唐地做出了一个决定：对真蒂莱斯基施行酷刑，如果她能熬过酷刑，那才能证明塔西真的有罪！
——真蒂莱斯基作品《科里斯卡与色狼》
贞烈的真蒂莱斯基接受了这个决定，强大的意志力和复仇的决心让她挺过了酷刑，可悲的是，即便如此，在那个男权社会，法庭仅以偷盗罪判处塔西入狱一年。被辱受害失去名节的真蒂莱斯基也无法再在罗马生活，只得跟随父亲去了佛罗伦萨。
——真蒂莱斯基作品《以斯帖站在亚哈随鲁前》
自此真蒂莱斯基把心中对男人和男权社会的愤恨转化为了一种艺术的张力。她曾经在给一位赞助人写的信中说到：“我的作品会说明一切”，她潜心创作，并用自身独特的女性视角去处理传统的宗教绘画主题，完成了很多宏大叙事的绘画作品。
——真蒂莱斯基作品《朱迪斯与她的女佣》
尤其是宗教故事中的女英雄朱迪斯，这是她最为喜爱的创作形象。她通过对朱迪斯的形象塑造，来表达她对男人以及男权社会的憎恨与厌恶。最著名的就要数他那幅带着卡拉瓦乔风格的油画作品《朱迪斯斩杀赫罗弗尼斯》。
——真蒂莱斯基作品《朱迪斯斩杀赫罗弗尼斯》
这幅画叙述了一个罗马天主教圣经旧约中的故事：约在公元前600年，以色列国被敌人入侵，十分危急，这时一位名叫朱迪斯的美丽寡妇主动献身，与女仆潜入敌营，色诱并灌醉了敌军统帅赫罗弗尼斯，然后趁其不备将他的头颅割下。失去领袖的敌军随之溃败，朱迪斯就这样成功保卫了自己的国家。
——卡拉瓦乔作品《砍下赫罗弗尼斯头颅的朱迪斯》
画中在描绘朱迪斯和她的仆人在割下头颅的赫罗弗尼斯时候，朱迪斯丝毫没有显示出畏惧的神色，神情果断，眉头紧锁、壮硕的手臂上肌肉紧绷，一手按住赫罗弗尼斯的头，另一只拿着剑的手决绝地向他的脖子割去，鲜血四溅。这与卡拉瓦乔同题材作品对比中，我们不难发现其中对朱迪斯塑造的艺术手法二者有着相当大的差异，我们从画中能深刻地感受到真蒂莱斯基传递的那种强烈的恨意或者愤怒。
——真蒂莱斯基作品《朱迪斯与她的女佣，带着赫罗弗尼斯的头》
真蒂莱斯基很多绘画作品的女性角色，都被刻画得饱含生命力，肢体语言和神态生动传神。她痴迷于对于暴力、挣扎、反抗等情节的刻画，尤其是对详细描绘了针对男性的暴力行为，她是要通过艺术创作把自己心里对男人的恨尽情地宣泄出来。就像她的另一幅作品《加尔与斯塞拉》中表现的加尔用铁锤将钉子敲入斯塞拉的耳朵里的残忍场面，真的让人惊心动魄，脊背发凉。
——真蒂莱斯基作品《加尔与斯塞拉》
结语
真蒂莱斯基是世界上少有的女性画家之一，她一生传奇的经历和艺术创作都深深触动了每一个人。她的作品在当时历史背景下所表达的极具批判性的精神，以及对女性罕见的绘画表达具有很高的学术价值和艺术价值，让她在艺术圣殿中有自己的一席之地。
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什么样的油画艺术作品会让人心潮澎湃？
让人心潮澎湃的油画艺术作品
所谓“心潮澎湃”就是心情愉悦很激动，久久不能平静的意思，在数以万计的油画艺术作品中，能让人心潮澎湃的画作可以说是比比皆是，难以一一举例，从题材来讲，写实主义人体油画必定让观赏者心潮澎湃，这其中的原因很简单，神秘、直观，
赤裸裸的写实人体油画，给人直观的视觉冲击力和感染力，作品的艺术效果又增强了观赏者对人体模特的神秘感，当然了，这也离不开艺术家精湛的技法；我们举例说明：19世纪西班牙画家戈雅笔下的《裸体的玛哈》就让人心潮澎湃，这幅画看上去是在展示大胆和情色，
事实上，在画作中，戈雅想要描绘的是当时西班牙女性中一种新的“率真女性”，探索女性关于xing 的禁忌主题，画中姑娘的造型因为她直接的凝视和冷淡的皮肤色调而变得复杂，这标志了她掌控着自己，曾有评论家这样写道：“她绝对属于自己，虽然她一定在yingyou 人，但是绝对是站在她自己的立场之上，她是一个坚强、尖锐的真正的女性”，
除了，戈雅笔下的《裸体的玛哈》让人心潮澎湃之外，同是19世纪的新古典主义艺术大师安格尔笔下的人体油画也让观赏者心潮澎湃，比如，那幅《泉》《大宫女》《浴女》不仅裸露尺度之大，而且还具有东方异域情调，直观的冲击了人们的视觉感受，这一切都依赖于艺术家对色彩的把握和控制。
哪一种油画是能带给人赏心悦目的感觉？
断断续续的，也回答了一些艺术类的问题。说实话，在这些日子里，逐渐意识到一个问题：人的审美是会随着时间的推移而发生变化的。特别是在欣赏绘画方面，可能上午和下午就会存在很大差别。
若在一个月以前，我可能觉得杨云飞的《荷叶屏风》具有这样的感觉。
记得之前回答过一个类似的问题，大概是问“你最喜欢哪一幅画？”。当时恰好刚刚涉足艺术，并见到了杨云飞的一些作品。在几幅作品中，觉得他笔下的《荷叶屏风》画的非常美，于是便以此画作了回答。
（因严查图片，原图已删）
（杨云飞：《荷叶屏风》）
当然，时至今日，我还是觉得这幅画蛮不错的。毕竟，画工和构图也算得上当前国内一流，并且也切切实实地拍出了天价。只是，随着时间的推移，慢慢地发现，其实在艺术品欣赏方面，人的审美标准会不断发生变化。
如今再次作答时，我想谢尔盖·马什尼科夫的《冷冷的夏天》，应该可以代表自己现在的审美。
前几天回答超写实主义绘画时，偶然接触到了马什尼科夫。其实，在知道画家的名字之前，便已经多次见过他的作品，只是常常一掠而过，未曾细细品味。直到见到这幅《冷冷的夏天》之后，才发现，其实油画中真的能带给人一种“一见倾心”的感觉。
（谢尔盖·马什尼科夫：《冷冷的夏天》）
细腻、唯美，是观赏马什尼科夫绘画最为直观的感觉。能用无声的画，撩拨观众的心弦，让观者随着画家的笔触而感受美的韵律，真的是一种创作的境界。马什尼科夫喜欢画美女，也擅长画美女，这一点同新古典主义大师安格尔确有相通之处。
艺术，也不仅仅都是唯美的。同样，人的审美也不会永远停留在某一个层面。同样是超写实主义绘画，能带给人心灵震撼和视觉冲击的，反而是最为朴实的作品。
如果说单论绘画技巧，罗中立或许并不见得占据多少优势。但他却从一位收粪老人身上，找到了创作灵感，最终完成了《父亲》这幅经典的作品。这个新旧时代交替阶段的农民形象，曾打动了无数人。可以说，如今看着这幅画，心中还不免产生阵痛。
（罗中立：《父亲》）
所以说，就油画作品来讲，一见倾心其实很容易做到，许多唯美动人的作品都具备这样的能力。不过，艺术似乎也不该仅仅停留在“一见倾心”的层面，而应该有更高的追求。或许，真正打动人的从来不是画面，而是画的内涵。
油画作品当中的“对比”体现在哪些方面？
你好亲，很开心回答你的问题
对于油画家而言，要创作一幅优秀经典的油画作品，其实特别讲究
尤其是对于组织一幅油画，对于构图，大色调，色彩，虚实，意境都非常讲究，并不是随意草率地创作的
对于一幅优秀经典的油画作品而言，画中的形式语言，画家在创作是特别注重对比
如果一幅油画，若是缺乏视觉语言的对比，那么这幅油画肯定如同一杯白开水，平淡无奇，这幅油画肯定是失败的，枯燥无味的，不会引起震撼。
比如，一幅油画的肌理，如果画家在这幅画上全部采用厚堆法，那么直接堵死了一幅画面，那么无疑这幅油画的视觉形式语言是单一呆板的
对于油画视觉形式语言而言，包含许多精彩的对比
1如构图的对比
对于一幅油画作品，首先要深思熟虑的画面的构图
对于画面的构图，个人粗浅的理解，是画面点线面的构成感
对于画面的点线面的构成，一定要包含动与静的对比，曲线和直线的对比，疏密的对比，主角与配角之间的对比，繁琐与简洁的对比等等
如果一幅油画的构图，如果全部是直线构图，那么这幅画无疑会出现呆板，僵硬的画面，所以需要曲线来活跃一下画面
如果一幅绘画的构图，全是规则的色块的话，也需要出现一个不规矩的图形色块来活跃画面，这就是构图的对比
2明暗强弱的对比
对于一幅油画作品而言，特别是写实造型风格的油画，是以素描关系打地基的，色彩关系依附于素描关系
对于画面明暗对比，包括明暗强烈对比
对于画面主体的明暗对比很强烈，为了突出主角的主体地位，对于配角，或是环境，明暗对比很弱，画面才有主次关系
3虚实对比
刚才说过，画面需要虚实对比，如果一幅画面，面面俱到的话，那么这幅作品并不能彰显你深厚的写实能力
如果一幅画面面俱到，处处都是视觉中心的话，那么这幅画显得眼花缭乱
所以对于一幅油画作品而言，只需一个视觉中心就足矣，所以画面视觉中心，需要深入刻画，而画面的视觉中心之外的地方，需要弱化突出视觉中心
4色彩的冷暖，明度，纯度，面积对比
对于油画而言，色彩是油画的灵魂
油画的色彩，需要画面冷暖对比，暖色调的油画，同时需要冷色调协调，冷色调的画面同时也需要少量暖色调协调
对于画面明度，就是色彩的素描明暗关系的对比
色彩纯度对比，如果是画面视觉中心的色彩，色彩纯度相对于周围配角和环境更加强烈，才能有效突出画面主体
5肌理的对比
对于油画艺术，其艺术特性是厚重
哪怕是写实造型油画，都会给人厚重的感觉
画面肌理，就是画面质地的对比
对于画面的肌理，无论是画笔堆砌的肌理，还是油画刀堆砌的肌理，包括厚薄之分的对比
如果一幅油画处处都堆砌厚重的肌理，就会堵死一幅画面，所以一般来说，画面主体肌理很厚重，而主体之外的肌理很薄，以突出主体地位。
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我是艺术狂人，从事少儿美术教育，如有美术，美术教育的疑问，欢迎私信
谁是中国当代最好的油画画家？
是吴冠中。他创作的内容和表现手法达到了“境由心造”（造仙境）的智慧，绘画内容和表现形式都是万花筒。
作为艺术爱好者，你认为法国画家布格罗的油画给人怎样的启发？
法国是一个极具创造力和艺术天分的国家，不仅浪漫主义在法国这片土地散发出耀眼的光芒，新古典主义的确立也发生在法国，其中，安格尔、布格罗都是著名的新古典主义画家，问题来了：作为艺术爱好者，你认为法国画家布格罗的油画给人怎样的启发？
法国画家布格罗的油画，给人的启发
布格罗（1825～1905年）19世纪法国“新古典主义”画家，同时也是19世纪上半叶法国学院派绘画最重要的人物之一。布格罗早期在安格尔画室学习绘画，安格尔的“素描”技法和“欧洲文艺复兴三杰”的素描技法可以相媲美，同样，布格罗也继承了安格尔的精湛卓越的“素描”技法，
不过，布格罗笔下的油画作品的画风和安格尔的画风是截然不同的，布格罗的画风显得清新明朗，画作描绘的都是“被理想化”的世界，布格罗以神话和寓言题材的绘画吸引大批追随者膜拜，要注意的是，那些神话寓言题材的绘画，丝毫没有一点宗教的庄严气息，很接地气，
当然了，布格罗的绘画并非一直都是宗教寓言，他后半期的绘画风格从生活出发，取材现实生活，表达一种对世人的博爱思想，布格罗完全跳脱古典主义派的风格，朝向更生活的层面去描写一般平民，而不只是单纯的神话人物，不过，也有人认为布格罗继承了欧洲文艺复兴时期的绘画风格，那种僵化、普遍的“绝对美”，
在布格罗一生的作品中，最引人注意的是那些唯美画风的赤裸裸的人体油画，比如，《回到春天》《赛姬升天》这两幅画虽然裸露尺度小于其他画作，但是布格罗在色彩、光影的运用处理做到极致细腻，画风唯美，以至于让人觉得带有“色情”的视觉冲击力，或许是因为布格罗过于描绘那个“被理想化”的世界吧。